島本

こちらでは、カンディンスキーとクレーに
焦点を当てています。

──

アーティゾンさんでは最近、
クレーをまとめて収蔵されたんですよね。

島本

そうなんです。去年の夏の展覧会
「石橋財団コレクション選　特集コーナー展示　
新収蔵作品特別展示 : パウル・クレー」
で、お披露目をしました。

パウル・クレー《数学的なヴィジョン》1923年

──

どうして、クレーを？

島本

点数こそ多くはなかったんですけれど、
ブリヂストン美術館の時代から、
クレーは、大切にしてきた作家でした。

この先に展示している
《島》という作品もそのひとつですし。

──

なるほど。その流れがあって。

島本

今後、当館が抽象を追っていくうえで、
フランスだけでは限界があります。

また、２０世紀に入ったら
パリ以外にミュンヘンやベルリンなど、
各地に芸術の拠点がうまれていきます。
フランスからの影響だけでなく、
ほうぼうで、独自の動きが出てきます。

──

ああ、カンディンスキーもクレーも、
ミュンヘンで、なかよしで。

バウハウスでも、
一緒に先生をやっていたんですよね。

島本

はい、若いころのカンディンスキーは
表現主義と呼ばれていて、
初期のマティスなど
野獣派、
フォーヴィスムにも近い雰囲気がある。

でも、こちらの１９２４年制作の作品
《自らが輝く》になると、
もう、完全にカンディンスキーの世界。

ヴァシリー・カンディンスキー《自らが輝く》1924年

──

らしさ全開って感じですね。

島本

第一次大戦が終結して戦間期になると
「パリ一極」でなくなり、
芸術の舞台は多極化していくんですね。

その意味でも、
２０世紀の抽象の動きを追ううえでは、
やはり、
クレーとカンディンスキーを意識する、
その必要があると思っています。

──

ここから一転、立体作品と言いますか、
この椅子は‥‥倉俣史朗さん。

島本

はい、時代も空間も一気に飛びますが、
２０世紀末の倉俣史朗のチェア、
《ハウ・ハイ・ザ・ムーン》ですね。

これらは、
作品として‥‥ということではなく
１９８６年、
旧ブリヂストン本社ビルの
１階ロビーの改装を、
倉俣史朗が担当しているのです。

提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三

──

なるほど。

島本

そのときに、このエキスパンド・チェアや
ガラス製のベンチなどが、
ロビーに置かれたのです。

──

じゃあ、お客さんとか社員のかたが、
ふつうに座っていたもの。

島本

はい。

なお、周囲の壁に展示した絵画と彫刻は
倉俣と親交の深かった
田中信太郎という作家の作品。
ふたりの交友に焦点を当てる意図です。

──

田中さんは、どのような作家ですか。

島本

１９６０年の
ネオ・ダダイズム・オルガナイザーズをはじめ、
絵画・彫刻にわたって戦後の前衛美術を担い、
デザインや建築の世界にも影響を及ぼした作家。

倉俣とは本当に親しかったみたいです。
ブリヂストンビルのロビーの改装時に、
倉俣が、田中に
インスタレーションの制作を
依頼したりもしていたようですね。

６階展示室ロビーに展示されている倉俣史朗《ガラスのベンチ》（1986年）と田中信太郎の立体作品《ソノトキ音楽ガキコエハジメタ》（1986年）。これらは旧ブリヂストン本社ビルのロビーに置かれていた。 提供：アーティゾン美術館　撮影：木奥惠三

──

続いては‥‥おお、抽象的。

島本

はい、ジャクソン・ポロックについては
これまでも
当館でお見せしてきましたが、
その他にも
マーク・ロスコやマーク・トビー、
ウィレム・デ・クーニングの抽象作品を
並べています。

なかでも、ぜひ、見ていただきたいのが、
それらの対面に展示している、
女性の抽象表現主義画家たちの作品です。

──

何という方々ですか。

島本

はい、ヘレン・フランケンサーラー、
エレイン・デ・クーニング、
リー・クラズナー、
そして、ジョアン・ミッチェルです。

──

あ、エレイン・デ・クーニングさんって、
この展覧会の、メインビジュアルの。

島本

そうです。

エレイン・デ・クーニング《無題（闘牛）》1959年 ©Elaine de Kooning Trust

──

女性の画家に注目する理由は‥‥。

島本

はい、これまで語られてきた美術史は
やはり画一的で、
決して唯一のものではなかった。
やはり見直していく点も多々あります。

当館では、そのことを、
コレクションとしても表現したいなと。

──

つまり、美術というものも、
男性中心の歴史として、語られてきた。

島本

そうです。

──

この「常設展へ行こう！」シリーズで、
うかがってきた美術館さんでも、
みなさん多かれ少なかれ、
そのことに触れてらっしゃいました。

いま、みなさんの
大きな関心事なんだろうなと思います。

島本

はい、おっしゃるとおりです。

女性の芸術家、作家にたいしては、
この先、当館だけでなく、
あらゆる場面で、
あらためて
焦点が当てられていくと思っています。

──

このエレインさんの作品の前に立つと、
めちゃくちゃ迫力ありますね。

島本

はい。この激しさや、荒々しさ‥‥
ある意味で、
前のブリヂストン美術館のイメージを
もっとも大きく裏切る作品です。

この作品を
メインビジュアルに選んだことは、
わたしたちの、
新しく生まれ変わるんだという
決意の象徴であり、
同時に、大いなる冒険でもあります。

──

たしかに、こういう抽象的な作品は、
ルノワールとかゴッホ、
ピカソみたいにわかりやすくないし。

島本

ええ。

──

美術館に通い慣れている人向けかな、
と思ったりします。

具体的な何かを描いたわけじゃない、
こういう絵を鑑賞するときの、
コツみたいなものって、ありますか。

島本

そうですね、絵をよく見る‥‥
時間をかけて見ることっていうのは、
なかなか難しいと思います。

だからまずは見ること、でしょうか。
こうして見ていて、何を感じますか。

──

遠くから見ていたときとちがって、
近寄って見ると、
こんな筆づかいだったのか‥‥とか、
色がたくさんあるんだなあ‥‥とか。

子どもの感想みたいですが‥‥。

島本

それでいいと思いますよ、子どもで。

まずは、知識ではなく感覚から入って、
時間をかけて見ていけば、
正しいとか間違いという軸ではなく、
ご自身なりに、
行きつく場所がきっとあると思います。

──

何かを、とても強く訴えかけてきます。
真正面から向き合うと、とくに。

島本

はい、そうやって見ていって‥‥
たとえば、絵の中の黒を追っていくと、
だんだん、
動物が浮かび上がってくる気もします。

だから《無題（闘牛）》と、
タイトルがつけられているんですけど。

──

あ、ほんとだ。そういうことか。

島本

ただ、そうやって「理解する」ことも
美術の楽しみのひとつですけれど、
かならずしも
「わかる、わからない」
という接点の持ち方じゃないやり方で、
何かを感じてもらえたらと思います。

──

あたまで鑑賞する‥‥のじゃなく。

島本

はい、この作品を見たみなさんからは、
「何が描いてあるかわからないけど、
なぜだか力をもらった」
みたいな反応も、けっこうあるんです。

だからまずは、自分が何を感じとるか。
何でもいいんですよね。
感じるということが大事だと思います。