──

あ、素敵な喫茶室があります。

前田

はい、じっくり美術に向き合うと
このあたりで
少し休憩したくなりそうだということで、
お茶席をご用意しております。

少しだけ、お抹茶など召し上がりますか。
よろしかったら。

──

いいんですか！　
遠慮なく、すすんでいただきます（笑）。

海谷

どうぞ、お座りになってください。

──

何だか、もう‥‥素晴らしいです。

モネやルノワールやピカソやシャガール、
フジタやレンブラントを見たあと、
ここで、お茶とお菓子で一服‥‥なんて。
目の前の景色も、気持ちがいいし。

前田

もともとは、初代館長の川村勝巳が、
お客さまや社員と話したり、
お茶を飲んで団欒する空間として設えた、
プライベートな空間だったんです。

海谷

それを、一般利用もできるよう開放して。

前田

おっしゃっていただいたように、
この美術館からの外の眺めが、
もっとも良い場所なので。

勝巳さんが亡くなられたあとに、
少し手を入れて、
お客さまにお抹茶を飲んでいただいたり、
ゆっくりしていただく場としました。

──

居心地最高です。

海谷

いまは揺れるススキが見えていますけど、
５月の連休くらいになると、
池の向こうで、
弊社研究所のクルメツツジが
濃いピンク色のお花をワーッと咲かせるんですね。

新緑とマゼンタピンクのコントラストで、
またちょっとおもしろい景色になります。

前田

その少し前には、桜も楽しめますし。

撮影：渡邉修

──

季節ごとに来たくなりますね。

海谷

当館には、
プライベートなミュージアムという趣が、
あるかなと思っているんです。

──

はい、そんな感じがします。

都会から離れたひっそりした佇まいだし、
最寄りの鉄道の駅からも遠いし、
コレクションも
もともとプライベートな性格のものだし。

海谷

おひとりでいらして、この茶席で
本をお読みになっている方も見かけます。

庭のほうにも‥‥睡蓮の池のほど近くに、
わたしたちが「テラス」と呼ぶ、
少し休憩のできる場所があるんですけど、
そこでも、
みなさん本を読んだり、デートをしたり‥‥。
プライベートな時間を
ゆっくり静かに過ごせる場というふうに、
思っていただけているのかなと。

撮影：渡邉修

──

親しい人と、親密な雰囲気の中で、
アートに接することができる場ですよね。

前田

最近は、テラスでＰＣを広げた
テレワーク風の方も、ちらほら。

──

えええ、それは、うらやましい。
はかどるのかどうかわかんないけど‥‥。

前田

建物自体も、
大人数をいちどきにお迎えするような
設計をしておらず、
廊下なども、おふたりくらいが通れる幅。

ですから、オープンした当初は、
一日あたり、何十人‥‥のイメージで、
お客さま数を想定していました。

海谷

はじめの建築家である
海老原一郎さんの右腕となって支え、
２００８年の増改築を担当された
根本浩さんもおっしゃっていますが、
「個人が静かに作品と向き合える場所を」
というコンセプトだったそうです。

──

いやあ、その創立当初の「想い」って、
確実に引き継がれてますよね。

美術館全体から伝わってきますし、
このお部屋にも、現れていると思います。

前田

いまでこそ、お客さま同士が話しながら
作品の観方を深めるような対話型鑑賞を、
当館でも催しておりますけれども、
オープン当初の９０年代はじめは、
「美術作品とは、１対１で向き合うもの」
という考えが主流だったんです。

美術館とは作品とじっくり向き合う場所、
‥‥という考えを、
当館では、いまも大事にしています。

──

近代現代の美術のミュージアムとしては、
こちら、かなり早いですよね。

中でも「私設」では倉敷の大原美術館が
突出して古いとは思いますが、
こちらに先行するのは、
以前ブリヂストン美術館だった
アーティゾン美術館さんくらい、ですか？

海谷

そうですね、当館がうまれた９０年には、
まだ東京都現代美術館もなく、
あとは昨年、群馬の別館と統合した
原美術館さんくらいでしょうか。

千葉県の美術館というくくりのなかでも、
開館２例目と早いですね。
県立美術館の次に出来たのが、当館。

──

なるほど。

ただ、たくさん人が来ちゃった展覧会も、
ありましたよね、長い歴史の中では。

前田

１９９５年のモネの展覧会のときなどは、
たしか、１日に
３０００人くらいいらっしゃったようで、
大変だったようですね。

あまりに会場が大混雑してしまっては、
お客さまや作品にとって
決して「ベストな状況」ではない、
「ゆっくり観てもらえる展覧会がいいね」
という方向性で、
基本的には、企画を考えているんです。

──

なるほど‥‥お茶、おいしかったです。

海谷

では、会場に戻りましょう。

──

ごちそうさまでした！

前田

ここからはシュルレアリスムと、
その周辺の作品が、展示されています。

具体的には、マックス・エルンストや
ルネ・マグリット、シュヴィッタース‥‥。

──

あ、エルンストさんは
グラッタージュをやっていた人ですね。
以前、横浜美術館で見ました。

デュビュッフェさんのチョコレート氏。
こっちも先日、アーティゾン美術館で。
本当にチョコレートみたいな質感です。

海谷

この部屋は、展示されている
シュルレアリスムの雰囲気に合わせて、
天井を低く、壁と床はグレーにしています。

もし、これらの作品が、
体育館のように煌々と明るく広い部屋に
展示されていたら、どうでしょう。
作品と、仲良くなれない気がしませんか。

──

たしかに。

海谷

作品と親密な関係性を築くための空間を、
ということで、
部屋の大きさと色が選ばれているんです。

前田

作品が制作されたのも、
第一次世界大戦と第二次世界大戦の間で、
決して明るい時代とは言えなかった。
そういう時代背景も考慮して、
トーンを抑えめにしていたりするんです。

こちら、ジョゼフ・コーネルの作品です。
当館でも、とても人気が高い作家です。

ジョゼフ・コーネル《海ホテル（砂の泉）》1958-59年頃　手製の木箱、コーディアル・グラス、着色された砂、木の根など　33.8 × 22.2 × 12.1cm
©The Joseph and Robert Cornell Memorial Foundation / VAGA at ARS, NY / JASPAR, Tokyo 2022　G2789

──

あ、箱の中にひとつの世界が広がってる、
アッサンブラージュというやつ。
この人の作品も、
アーティゾンさんの取材のときに拝見して、
ちょっと不思議な感じがしました。

前田

不思議、ですか。たしかに作家ご本人も、
謎に包まれた人なんです。

アメリカの抽象表現の作家で、
シュルレアリスムに影響を受けていて、
自ら描いたり彫ったりはせず、
こういった箱のなかに、
気に入った雑誌の切り抜きや物を組み合わせて、
神秘的な世界をつくりだしています。

──

はい。

前田

当館は、箱作品とコラージュ作品を合わせると
１６点所蔵しており、
おそらく、日本で最多なのではないかと。

──

あ、そうなんですね。
何度か企画展もやってらしゃいますしね。

前田

これまで３回、
「コーネル展」を開催しているのですが、
ものすごい人気で、
どんどんファンが増えている感じです。

コーネル作品をめあてに、
当館へいらっしゃる方も非常に多いです。

──

もうしわけございません‥‥この箱は、
ひとことで言うと、
どういった魅力のものなんでしょうか。

もちろん素晴らしい作品であることは
重々承知なのですが、
絵でもなく彫刻でもない作品だし、
いまいち、
どう捉えたらいいのかがわからなくて。

前田

なるほど。

──

芸術性の高さを抜きにして言えば、
子どものころ、
ダンボールか何かで
こういう物体をつくった記憶もあるし。

こんなこと言ったら怒られそうですが。

前田

いえいえ（笑）、
たしかに、実際に使われている素材も、
古い木箱や、
その表面に貼られた古い書物からの切り抜き、
放っておいて錆びた釘、
壊れかけのグラスみたいなもの。

そのあたりに、打ち捨てられていても、
おかしくないようなものばかりです。

──

ええ。

前田

でも、作家がそれらに
ある種の「美」を見いだし、
それらを集め、そして組み合わせることで、
ひとつの世界として提示している。

この小さな箱のなかに、
慈しむようなに、
果てしない宇宙が広がっていくような、
そんな物語が感じられます。

──

あの‥‥コーネルさんって、
箱の作品を、はじめてつくったときに、
「これが、わたしの芸術です」
と言って発表したんだと思うんですが、
絵や彫刻なら芸術だとわかりやすいし、
言われなくても芸術だと思うんです。

でも‥‥その点、
箱の作品を「写真」で見ているうちは、
もし自分が同時代に生きていて、
いきなりこの作品を見せられたときに、
すぐ芸術だと確信できるかどうか。
ちょっと自信ないなと思っていました。

前田

なるほど。

──

でも、こうやって現物の前に立つと、
紛れもなく、芸術ですね。
オーラのようなものを強く感じます。

前田

アッサンブラージュという、
既製品、
すでにあるものを組み合わせることで、
新しい手法もまた、美術なんだ‥‥と、
作品として成り立つんだと
認識される時代になってきたんですね。

そのことも、ひとつ、あると思います。

──

美術の概念はどんどん拡張していると。

前田

この、展示されている《海ホテル》は
代表的な作品なんですが、
中央にある壊れかけのグラスの周囲に、
黄色い砂が堆積していますね。

──

ええ。

前田

じつは、この作品をひっくりかえすと、
黄色い砂が、
上部の白い台形の中に収まるんですよ。

──

えっ、そうなんですか。

前田

知らない方も多いかもしれないですね。
コーネルの作品は動かすことができて
で、動かすと、
何かの変化が起こる作品が多いんです。
ボールが、コロコロ転がったりとか。

この作品も、上に砂がぜんぶ収まって、
もう一回ひっくり返すと、
あの黒い穴から、黄砂がサーッ‥‥と。

──

壊れかけたグラスに、砂が落ちてくる。
砂時計みたいに。へえ‥‥。

作品をひっくり返してもいいんですね。
楽しい仕掛けですね。

海谷

いまここに展示されていない箱の作品には、
オルゴールが仕込まれたものもあります。

前田

コーネルはアメリカ人ですが、
ヨーロッパの芸術に大変興味があった。
いろいろなものを見ているうちに、
エルンストに影響を受けて、
コラージュという手法で
作品の制作をはじめてしまったんです。

親交のあったデュシャンの
「レディ・メイド」に通じるところも、
ありますし。

海谷

正規の美術教育を受けてはいないけど、
当時ニューヨークにできたばかりの
シュルレアリスムを紹介するギャラリーに通って、
そこで認められて作家デビューし、
ウォーホルも、彼の作品のコレクターだったとか。

内向的だった一方で、
最先端の人たちから一目置かれていたそうです。

──

ああ、そういう人だったんですか。内向的。

前田

年老いたお母さんや、
身体の弱い弟さんの面倒をみるために、
ほとんど
ニューヨークから出なかったそうです。

──

へえ‥‥。

前田

でも、そうするなかでも、
お気に入りの古道具屋や古書店へ通い、
趣味に合うものを集めて、
それらをこうして組み合わせることで、
この小さな箱の中に、
どこまでも広がるような世界を見出した。

つまり、そういう作家なんだと思います。
外で遊べない弟さんのために、
家のなかでも楽しめる作品をつくったり。

──

なるほど。

海谷

純粋な心をもつ弟さんが
大好きだったそうです。

プロの批評家にほめられるよりも、
弟さんが
作品をすごく気に入ってくれたときに
自信を持つような人だったと聞きます。